Des filles en noir (Jean Paul Civeyrac)

J’ai vu en DVD cette semaine: Des filles en noir (2010). 85 min. Réal. et Sc: Jean Paul Civeyrac. Collaboration à la réalisation et Production: Lola Gans. Dir. Photo: Hichame Alaouie. Int: Élise Lhomeau, Léa Tissier, Élise Caron, Isabelle Sadoyan, Roger Jendly, Thierry Paret, Yuliya Zimina, Simone Tompowsky.

Jusqu’à il y a peu, je ne connaissais que de nom Jean Paul Civeyrac. J’ai vu récemment son dernier film, Mes Provinciales en salle. Cela m’a incité à voir ses films précédents.

Noémie et Priscilla, deux lycéennes de Terminale de 17-18 ans, toujours vêtues de noir sans être vraiment gothiques, sont des amies très proches. Elles viennent d’un milieu modeste et habitent une petite ville de province. Le film a été tourné à Orléans, mais aussi dans l’Isère, à Voiron et Grenoble. Noémie a déjà fait une tentative de suicide. Elle vit avec sa mère. Leurs rapports sont tendus. Priscilla, elle, squatte chez sa sœur Sonia et son compagnon, Toni. Elle se sent de trop. Noémie et Priscilla sont d’accord sur tout. Le monde qui les entoure les dégoûte. Elle rejette les adultes, mais aussi les garçons qui les ont déçues. En classe, elles font un exposé sur le poète romantique allemand Heinrich von Kleist qui s’est suicidé avec la femme d’un de ses amis, Henriette Vogel, au bord du petit Wannsee, lac situé dans les environs de Berlin le 21 novembre 1821. Par provocation, Noémie annonce à la classe qu’elles ont l’intention de mettre fin à leurs jours, sans avoir consulté son amie («On va faire comme lui ce soir-même.»). Priscilla accepte néanmoins sa proposition. Mise au courant, la proviseure du lycée convoque les deux jeunes filles. Celles-ci se vengent en taguant plusieurs fois le mot FEU sur sa voiture. Après le dépôt d’une plainte, elles sont ensuite entendues par la police. La famille n’est pas un refuge. Lors d’une fête d’anniversaire, Priscilla est agressée par un oncle de Noémie, Alain, qui a trop bu. Cela accélérera leur décision d’en finir ensemble. Elles parlent au téléphone toute la nuit, s’enivrent et rient. A l’aube, Priscilla se jettera dans le vide, pas Noémie…

Ces deux jeunes filles ont la passion de l’absolu. La banalité de la vie des adultes leur paraît inacceptable. Elles ressentent une amitié fusionnelle, sans désir charnel, même si elles utilisent les mots de l’amour («Je t’aime», «On l’fait alors»).

Jean Paul Civeyrac a étudié précisément des cas de faits divers semblables depuis 1997. Ces individus cherchent dans la mort un lien qu’ils ne trouvent pas dans la vie. Les causes se trouvent dans le contexte politique et social, dans la famille, mais aussi dans la découverte d’une solitude ontologique. Il y a une débacle de toutes les institutions: La famille, l’école, la police, la psychiatrie sont niées. «Ça ne sert à rien.» «Pourquoi faire des études? Pour devenir chômeuse? Pour se faire exploiter? Pour exploiter les autres?»

Le repas d’anniversaire du grand-père est essentiel. Cela ressemble à une scène d’une pièce de Tchékhov. La grand-mère s’appelle même Sonia. Ce soir-là, Noémie se retrouve au chevet d’une moribonde, Chloé. Elle lui annonce qu’elle veut se suicider. La malade, dans un souffle, proteste contre cette décision. Noémie lui dit finalement que c’est une plaisanterie. («J’adore la vie.») Noémie ne peut pas pleurer. Elle n’ y arrivera que lors de la toute dernière scène du film, près d’un balcon . Priscilla, morte, sera toujours présente auprès d’elle.

Jean Paul Civeyrac utilise très bien les deux actrices non-professionnelles. On pense aux films de Robert Bresson. Pourtant, les deux personnages principaux sont loin d’être sympathiques. Le spectateur ne ressent pas d’empathie pour elles. Les membres des deux familles font ce qu’ils peuvent, sont plutôt bienveillants, mais désemparés.

La musique comme toujours chez ce cinéaste joue un grand rôle: Schumann, Brahms, Bach et particulièrement Le Ballet des ombres heureuses, extrait de l’opéra Orphée et Eurydice de Gluck. A la fin, Noémie, revenue à la musique, joue le solo de flûte traversière accompagnée par un orchestre à cordes.

Le film a été présenté à Cannes en 2010 à La Quinzaine des Réalisateurs.

https://www.youtube.com/watch?v=hndsR-5em68

Mes provinciales (Jean-Paul Civeyrac)

Vu jeudi 10 mai, jour de l’Ascension, à la Ferme du Buisson (Noisiel): Mes provinciales (2018). 137 min. Réal. et Sc: Jean-Paul Civeyrac. Dir. Photo: Pierre-Hubert Martin. Int: Andranic Manet, Gonzague Van Bervesselès, Corentin Fila, Diane Rouxel, Jenna Thiam, Sophie Verbeeck, Valentine Catzéflis. Charlotte Van Bervesselès, Nicolas Bouchaud Laurent Delbecque, Jeanne Ruff, David Abécassis, Arash Khodaiari, Saurédamor Ricard.

Étienne Tinan abandonne Lyon, sa famille modeste et sa petite amie Lucie pour venir vivre à Paris et suivre des études de cinéma à l’Université Paris 8. Il fait la connaissance d’autres étudiants: Jean-Noël, homosexuel et réaliste et Mathias, intransigeant et désespéré. Tous les trois sont des cinéphiles passionnés. Leurs conversations portent sur la littérature, la philosophie, la musique, l’art. Nerval et Novalis sont leurs auteurs favoris. Etienne partage un appartement avec Valentina, puis avec Annabelle («La fille de feu»). A la fin du film, il vit avec Barbara qu’il a rencontré dans une maison de production. Etienne, assis sur un canapé, regarde dehors. La fenêtre est grande ouverte sur la ville.

Le titre du film évoque à la fois les jeunes filles avec lesquelles Etienne a des relations sentimentales, mais aussi Les Provinciales de Pascal. Celui-ci a critiqué les jésuites et la casuistique laxiste défendue par certains d’entre eux.

Le film est divisé en quatre parties («Un petit château de bohème», «Un illuminé», «Une fille de feu», «le soleil noir de la mélancolie» et un épilogue («Deux ans après»). Ces sous-titres renvoient aux nouvelles et aux poèmes de Gérard de Nerval. Presque toute l’action se déroule pendant l’hiver 2017.

C’est un film d’apprentissage traitant d’amitié, de prise de conscience, d’éducation sentimentale et de cinéma. Jean-Paul Civeyrac fait des films à la première personne, comme naguère François Truffaut ou Jean Eustache. Son regard correspond à la vision de ces jeunes hommes. Sa mise en scène est fluide et économe. Il filme Paris avec soin et délicatesse: les immeubles, les rues, les quais de Seine, les Tuileries. Très belle scène lorsque Etienne et Mathias marchent le long du fleuve, tard la nuit. Les personnages sont excessifs et immatures, mais aussi fragiles et sensibles. Le noir et blanc, la place des livres et de la musique classique (Bach surtout) contribuent à la beauté du film.

Jean-Paul Civeyrac vient d’un milieu modeste et de Firminy, dans la banlieue de Saint-Etienne. Il a été étudiant en cinéma, puis a enseigné à la Femis et à Paris 8. Les jeunes étudiants qu’ils montrent sont certes très minoritaires, mais ils s‘interrogent sur la manière dont ils pourront faire du cinéma. Ils paraissent hors du temps, mais ne le sont pas tant que cela. Les sentiments non exprimés, les non-dits contribuent à l’émotion qui se dégage du film.

Filmographie
1997: Ni d’Ève ni d’Adam.
2000: Les Solitaires.
2002: Fantômes.
2002: Le Doux Amour des hommes.
2003: Toutes ces belles promesses.
2005: À travers la forêt.
2010: Des filles en noir.
2014: Mon amie Victoria.
2018: Mes provinciales.

https://www.youtube.com/watch?v=l0jrDsfLNxY

The Rider (Chloé Zhao)

Vu dimanche 6 mai à la Ferme du Buisson (Noisiel): The Rider (2017) 104 min. Réal.: Chloé Zhao. Sc: . Dir. Photo: Joshua James Richards. Int: Brady Jandreau, Tim Jandreau, Lilly Jandreau, Lane Scott, Cat Clifford, Leroy Pourier, Tanner Langdeau.

Réserve amérindienne Lakota à Pine Ridge (Dakota du Sud). Brady Blackburn habite dans un mobile home avec son père, Wayne, peu fiable, et sa sœur, Lilly, qui souffre du syndrôme d’Asperger, une forme d’autisme. Sa mère est enterrée dans un petit cimetière tout proche. C’est un jeune cow-boy, dresseur de chevaux sauvages et champion de rodéo. Il s’est fait écraser le crâne par un cheval. On lui annonce qu’il ne pourra plus faire de compétition ni même monter à cheval. Au début, on le voit se défaire d’un pansement qui couvre une horrible plaie. Il est régulièrement pris de malaises, de vomissements. Sa main se paralyse par moments. Il trouve un nouveau travail dans un supermarché, mais cette nouvelle vie lui semble creuse. Il porte le deuil de lui-même et de sa passion.

Chloé Zhao, cinéaste américaine émigrée de Chine à 15 ans, réussit à construire un antiwestern d’une grande rigueur. Son premier film, Les chansons que mes frères m’ont apprises (2015), avait été tourné dans la même réserve. Elle utilise pour son second long métrage le même décor naturel. Elle fait jouer des non-professionnels, quasiment dans leur propre rôle. Elle s ‘inspire de leur propre histoire. Brady Jandreau a été grièvement blessé lors d’un rodéo le 1 avril 2016. Il est resté cinq jours dans le coma. La réalisatrice utilise des images vidéo de l’accident. Le tournage de cinq semaines a commencé le 3 septembre 2016. Le père et la sœur de Brady jouent leur propre rôle dans le film. Lane Scott, l’ami qu’il admire, est une gloire locale, devenue tétraplégique et muet, après un accident de voiture. Le danger, la mort sont au coeur du film. Brady et ses autres amis, cow-boys professionnels, se réunissent autour d’un feu la nuit et énumèrent leurs nombreuses blessures.

Chloé Zhao montre avec soin et précision  les rodéos ainsi que les séances de dressage des chevaux, filmées en temps réel. L’homme et l’animal dialoguent. Cela sonne vrai, authentique.

Les habitants de la réserve sont enfermés. Les intérieurs (mobile home, supermarché, salon de tatouage, bars) paraissent laids, artificiels. Les couleurs vives et saturées contrastent avec celles de la nature et les magnifiques crépuscules. Le tonnerre gronde souvent au loin, mais il ne pleut  jamais.

Les scènes entre le frère et la sœur sont essentielles. Celle-ci joue un grand rôle dans l’évolution de son frère. A la fin, Brady renonce à partir. Il choisit de rester auprès des siens. Il s’accroche et n’abandonne pas pour autant la partie.

On se souvient de beaux films américains tournés sur le même sujet: Les indomptables (1952) de Nicholas Ray, Seuls les indomptés (1962) de David Miller, Quand meurent les légendes (1972) de Stuart Millar, Bronco Billy (1980) de Clint Eastwood.

Les derniers cow-boys semblent avoir été oubliés là par l’Histoire. Ironie ici,  ce sont des «Indian cow-boys». Les descendants des vaincus ont adopté les coutumes des vainqueurs.

Le film réussit à tendre vers quelque chose d’universel. Il nous parle de la virilité, de la liberté individuelle, de la nature, de la relation homme-animal, de la culture, de l’assimilation.

L’ écrivain portugais Miguel Torga (1907-1995) avait bien souligné en 1954: «L’universel, c’est le local moins les murs. C’est l’authentique qui peut être vu sous tous les angles et qui sous tous les angles est convaincant, comme la vérité.»

https://www.youtube.com/watch?v=H98GVVvLSBc

Place publique (Agnès Jaoui)

Vu dimanche 22 avril à la Ferme du Buisson (Noisiel): Place publique (2018) 98 min. Réal.: Agnès Jaoui. Sc: Jean-Pierre Bacri, Agnès Jaoui. Dir. Photo: Yves Angelo. Int: Jean-Pierre Bacri, Léa Drucker, Agnès Jaoui, Hélèna Noguerra, Kévin Azaïs, Nina Meurisse, Sarah Suco, Yvick Letexier alias Mister V., Olivier Broche, Frédéric Pierrot, Miglen Mirtchev, Eric Viellard, Evelyne Buyle.

Castro est un animateur de télévision sur le déclin. Son chauffeur, Manu, le conduit à la pendaison de crémaillère de la maison que sa productrice, Nathalie, vient d’acheter près de Paris. Hélène, sœur de Nathalie et ancienne femme de Castro, s’y rend aussi avec son compagnon actuel, un homme simple et modeste. Quand ils étaient jeunes, Castro et Hélène partageaient les mêmes idéaux, mais la vie les a changés. L’animateur est devenu un homme cynique, grincheux, jaloux, insupportable. Hélène n’a plus le sens des réalités. Leur fille, Nina, vient de publier son deuxième roman inspiré plus ou moins de la vie de ses parents. L’émission de Castro est menacée pour cause d’effritement de l’audimat. Hélène, inconsciente,  voudrait que son ancien mari y invite une réfugiée afghane. La fête se déroule toute la nuit malgré la colère des paysans voisins, importunés par le vacarme et la musique.

Le film commence par un saut en avant (flashforward). Dans la nuit, un homme s’avance menaçant et armé. Un jeune homme brise les deux rétroviseurs d’une belle voiture avec une énorme pierre. On entend une détonation. Fausse piste? Séquence suivante: dos à la caméra, Castro pisse au bord de la route près de sa voiture de luxe et de son jeune chauffeur personnel. L’autoradio déverse les paroles creuses du même personnage lors d’une entretien. Il affirme vieillir sereinement ce que toute la suite contredira. Dans sa voiture, son ex-femme, médusée, écoute le même programme.

Le film traite de thèmes bien actuels: le cynisme des célébrités du moment et leur nombrilisme, les smartphones omniprésents, le rôle des réseaux sociaux, les selfies envahissants, l’autofiction. Néanmoins, on ne peut pas ne pas penser à Marivaux, avec le parallèle entre maîtres et domestiques, et surtout aux deux films de Jean Renoir (Partie de campagne et La Règle du jeu). Kévin Azaïs et Sarah Suco nous rappellent les rôles tenus autrefois par Julien Carette et Suzy Delair dans le second classique, même s’ils sont beaucoup moins drôles.

Le film s’attarde un peu sur les nombreux personnages. Leur personnalité aurait pu être approfondie et enrichie. Les acteurs secondaires sont assez bien choisis.  Le passage d’un groupe à l’autre se fait plutôt habilement et naturellement. Les critiques des journaux ont pourtant étrillé le film en le comparant avec Le Sens de la fête d’Eric Toledano et Olivier Nakache.   Mais, c’ est surtout le rythme de cette comédie noire qui pèche. Nous n’avons pas non plus l’impression que les scénaristes donnent vraiment sa chance à chaque personnage.

Filmographie d’Agnès Jaoui.
2000: Le Goût des autres.
2004: Comme une image.
2008: Parlez-moi de la pluie.
2013: Au bout du conte.
2018: Place publique.

Madame Hyde (Serge Bozon)

Vu vendredi 20 avril à la Ferme du Buisson (Noisiel):
Madame Hyde (2017) 95 min. Réal.: Serge Bozon. Sc: Serge Bozon et Axelle Roppert. Très libre adaptation du roman L’Étrange Cas du docteur Jekyll et de M. Hyde  de Robert Louis Stevenson (1850-1894). Dir. Photo: Céline Bozon. Int: Isabelle Huppert, Romain Duris, José Garcia, Adda Senani, Guillaume Verdier, Pierre Léon, Patricia Barzyk, Karole Rocher, François Négret, Charlotte Véry, Roxane Arnal, Angèle Metzger.

Madame Géquil, professeur de physique timide et faible, enseigne la physique dans un lycée de banlieue. Le film a été tourné à Oullins et à Lyon. Elle subit chaque jour les moqueries de ses élèves. Elle est méprisée par ses collègues et son proviseur qui n’est qu’un bouffon. Après avoir été frappée par la foudre, sa personnalité se transforme peu à peu. Elle sent en elle une énergie nouvelle, mystérieuse.

Le film se veut fantastique, comique, mélancolique, décalé, poétique. Un échec total. Comment peut-on massacrer ainsi le court roman de Robert-Louis Stevenson qui est d’une richesse extrême. L’Étrange Cas du docteur Jekyll et de M. Hyde (1886) est une véritable histoire d’épouvante. Il aborde le dédoublement de la personnalité, l’existence du bien et du mal en chaque être humain; l’hypocrisie sociale de la période victorienne. Sa richesse est inépuisable…Robert Louis Stevenson est un auteur majeur du XIX ème sièclé vénéré par Henry James et Jorge Luis Borges entre autres.

Comme la plupart des films français, Madame Hyde ne présente qu’une caricature des difficultés du monde enseignant aujourd’hui, même si Serge Bozon et Axelle Ropert semblent s’être documentés un peu plus que leurs confrères. La transmission du savoir devient possible dans la deuxième partie du film. On n’y croit pas une seconde.

Isabelle Huppert a reçu le prix d’interprétation féminine au Festival international du film de Locarno. 2017. Ce n’est pas le rôle le plus convaincant de sa carrière.

J’avais bien aimé pourtant le film d’Axelle Ropert Tirez la langue, mademoiselle (2013): Histoire de deux frères médecins passionnés par leur métier qui tombent amoureux de la mère de l’une de leurs patientes (avec Louise Bourgoin, Cédric Kahn et Laurent Stocker) . Axelle Ropert (1972) est la scénariste de tous les films de Serge Bozon et sa compagne. Elle a réalisé deux autres films (2009 La Famille Wolberg. 2016 La Prunelle de mes yeux.)

Filmographie de Serge Bozon (1972). Critique à la revue Trafic, La Lettre du cinéma, Vertigo, Les Cahiers du cinéma.
1998 L’Amitié.
2003 Mods.
2007 La France. (Prix Jean-Vigo)
2013 Tip-Top.
2018 Madame Hyde.

https://www.youtube.com/watch?v=wW7r_LGufvY

Georges Bataille

Cartier-Bresson et Georges Bataille habillés en curés dans Une partie de campagne (1936) de Jean Renoir.

Georges Bataille, Le Bleu du Ciel, écrit en 1935. publié en 1957. Avant-propos.

« Un peu plus, un peu moins, tout homme est suspendu aux récits, aux romans, qui lui révèlent la vérité multiple de la vie. Seuls ces récits, lus parfois dans les transes, le situent devant le destin. Nous devons donc chercher passionnément ce que peuvent être des récits – comment orienter l’effort par lequel le roman se renouvelle, ou mieux se perpétue.
Le souci de techniques différentes, qui remédient à la satiété des formes connues, occupe en effet les esprits. Mais je m’explique mal – si nous voulons savoir ce qu’un roman peut être – qu’un fondement ne soit d’abord aperçu et bien marqué. Le récit qui révèle les possibilités de la vie n’appelle pas forcément, mais il appelle un moment de rage, sans lequel son auteur serait aveugle à ces possibilités excessives. Je le crois: seule l’épreuve suffocante, impossible, donne à l’auteur le moyen d’atteindre la vision lointaine attendue par un lecteur las des proches limites imposées par les conventions.
Comment nous attarder à des livres auxquels, sensiblement, l’auteur n’a pas été contraint

Razzia (Nabil Ayouch)

Vu mardi 17 avril à la Ferme du Buisson (Noisiel):
Razzia (2017) 119 min. Réal.: Nabil Ayouch. Sc: Nabil Ayouch et Maryam Touzani. Dir. Photo: Virginie Surdej. Int: Maryam Touzani, Ariel Worthalter, Abdelilah Rachid, Amine Ennaji, Dounia Binebine.

Much Loved en 2015 avait provoqué des remous dans la société marocaine et avait été interdit de projection pour pornographie. Le réalisateur, franco-marocain né à Sarcelles en 1969, et l’actrice principale, Loubna Abidar, avaient même reçu des menaces de mort. Nabil Ayouch revient aujourd’hui avec Razzia sur les contradictions de la société marocaine. Il choisit un récit choral, un peu comme Alejandro González Iñarritu dans Babel (2006). Il se centre sur le parcours de cinq personnages, tiraillés entre tradition et modernité et soumis au regard pas toujours bienveillant des autres. Il choisit deux périodes essentielles de l’histoire récente du Maroc: 1982 avec l’imposition de l’arabe dans l’enseignement (comme en Algérie et en Tunisie) et 2015 qui connut une vague importante de censure qui s’opposait au désir de liberté de la jeunesse.

La volonté de Nabil Ayouch de représenter la grande diversité de la population du pays fait que le spectateur perd peu à peu le fil de ces histoires. J’ai surtout été touché par l’épisode qui se passe dans un village des montagnes de l’Atlas. Le paysage est d’une très grande beauté. Un maître d’école bienveillant parle à ses jeunes élèves de la lune, du soleil, de l’immensité de l’univers dans leur langue. L’obligation faite d’enseigner en arabe classique que les enfants berbères ne comprennent pas fait disparaître le sens des mots et du monde. Les épisodes qui se déroulent à Casablanca m’ont paru plus confus et convenus, même si on sent bien le dynamisme de cette métropole que le réalisateur présente comme une ville-monde et une ville-tombeau. Le personnage de Maryam Touzani est aussi attachant. Très belle, elle n’a pas honte de son corps malgré les injonctions de son mari égoïste qui la bride. Lors des dernières images, on la voit, enceinte, s’avancer vers l’océan. L’évocation du film de Michael Curtiz Casablanca (1942) rythme aussi le film. Il ne faut pas oublier que ce classique du cinéma américain était déjà un film de résistance.

L’épigraphe du film est: «Heureux ceux qui peuvent agir selon ses désirs.» (Proverbe berbère)

Le film est sorti au Maroc le 14 février 2018 et remporte un grand succès.

https://www.youtube.com/watch?v=FLaITh9PFZQ

Il figlio, Manuel (Dario Albertini)

Vu lundi 16 avril à la Ferme du Buisson (Noisiel):

Il figlio, Manuel (Manuel) (2017) 97 min. Réal.: Dario Albertini. Sc: Dario Albertini et Simone Ranucci . Dir. Photo: Giuseppe Maio. Int: Andrea Lattanzi, Francesca Antonelli, Giulia Elettra Gorietti, Raffaella Rea, Renato Scarpa, Luciano Miele, Alessandri Di Carlo, Frankino Murgia.

Manuel vient d’avoir 18 ans et va quitter le foyer pour jeunes où il a vécu ces dernières années. Sa mère est incarcérée depuis cinq ans pour une raison jamais révélée. La liberté retrouvée aura pour Manuel un goût amer. Il erre dans les rues de son quartier, dans la banlieue de Rome, mais essaie de devenir un adulte responsable. Pour que sa mère que l’on sent très fragile obtienne l’assignation à résidence, il doit prouver aux autorités qu’il pourra la prendre en charge. Dès le début, on voit sa capacité à s’occuper des autres. Il prend dans ses bras une petite fille endormie, pousse une voiturette qui n’arrive pas à démarrer, remet de l’ordre dans l’appartement familial, rencontre l’avocat de sa mère, accepte un travail chez un boulanger, répond aux questions d’une assistante sociale peu amène.

Cet adolescent est tiraillé entre son devoir filial et ses rêves d’évasion, entre ses obligations sociales et ses aspirations personnelles. Il agit, mais parle peu. C’est un grand échalas, mais il a encore tout d’un enfant. L’angoisse l’étouffe à certains moments du film. Il est tenté par la fuite, mais n’abandonnera pas.

Le photographe et vidéaste romain Dario Albertini, 43 ans, a réalisé là son premier long métrage de fiction. Son documentaire de 2014, La Repubblica dei Ragazzi , a servi de point de départ à ce film. Il figlio, Manuel a obtenu 3 prix lors du Festival du cinéma méditerranéen de Montpellier 2017: l’Antigone d’or, décerné par le Jury, le Prix de la critique et le prix Nova.

L’interprétation d’Andrea Lattanzi est remarquable. La mise en scène du réalisateur qui suit avec soin les personnages secondaires que Manuel rencontre est délicate. Il utilise avec habileté et efficacité plans-séquences, ellipses et non-dits. On pense par moments aux grands films italiens néo-réalistes des années 50. Une jolie scène évoque aussi Baisers volés (1968) de François Truffaut.

https://www.youtube.com/watch?v=7Oc6q-ff8jk

Continental Films (Christine Leteux)

J’ai terminé la lecture de Continental Films (Cinéma français sous contrôle allemand) de Christine Leteux, Edition la Tour Verte, 2017. Préface de Bertrand Tavernier.
C’est un bon livre qui permet de mieux connaître cette période essentielle du cinéma français, loin des clichés et des préjugés.
Des metteurs en scène de renom ont travaillé pour la Continental, société à capitaux allemands installée en France et dirigée par le nazi Alfred Greven : Christian-Jaque, Henri Decoin, Maurice Tourneur, André Cayatte, Henri-Georges Clouzot, Albert Valentin.
Des scénaristes aussi : Charles Spaak, Jean-Paul Le Chanois, Carlo Rim, Jean Aurenche, Louis Chavance. Christine Leteux insiste également sur le rôle des techniciens.
Bertrand Tavernier montre bien dans son introduction que « le cinéma français avait bien continué à exister sous l’Occupation. » Il fallait bien vivre … et certains résistaient. Il a évoqué aussi cette période dans son film, Laissez-passer, inspiré par les mémoires du cinéaste Jean Devaivre (1912-2004) On peut rappeler que les deux vedettes de Poil de Carotte (1932) de Julien Duvivier, Harry Baur et Robert Lynen, ont été assassinées par les Allemands, dans des conditions différentes, bien sûr. Tavernier termine sa préface par cette citation de Romain Rolland (Jean-Christophe 1904-1912) : « Un héros, je ne sais pas trop ce que c’est, mais vois-tu, j’imagine, un héros, c’est quelqu’un qui fait ce qu’il peut. Les autres ne le font pas. »

Le DVD du réalisateur français, Voyage à travers le cinéma français, m’attend encore. Une citation de Martin Scorsese sur la boîte : « Vous êtes persuadé de connaître tout ça par coeur et arrive Tavernier nous révélant la beauté pure. »

Robert Lynen, acteur et résistant (1920-1944). Fusillé le 1 avril à Karlsruhe par les nazis.

La Prière (Cédric Kahn)

Vu mercredi 11 avril à la Ferme du Buisson (Noisiel) :
La Prière (2017) 107 min. Réal.: Cédric Kahn. Sc: Fanny Burdino, Samuel Doux, Cédric Kahn d’après une idée originale d’Aude Walker. Dir. Photo: Yves Cape. Int: Anthony Bajon, Damien Chapelle, Alex Brendemühl, Louise Grinberg, Antoine Amblard, Maïté Maille, Hanna Schygulla.

https://www.youtube.com/watch?v=Y1bR6hCyMqM

Le mois dernier, je m’étonnais du nombre de films français traitant de la religion. J’avais été déçu par L’Apparition de Xavier Giannoli. En revanche, La Prière  de Cédric Kahn m’a convaincu par sa mise en scène rigoureuse et dépouillée. Il me semble être dans la lignée de Silence (2016) de Martin Scorsese, adaptation du roman historique éponyme de Shusaku Endo (1966).

Thomas est un toxicomane de vingt-deux ans. On ne sait quasiment rien de son passé si ce n’est qu’il vient de Bretagne. Pour sortir de sa dépendance à l’héroïne, il rejoint une communauté catholique d’anciens drogués isolée dans la vallée du Trièves en Isère. Cette communauté, aux allures de secte, impose  à ces jeunes gens un changement de vie radical. La prière, le travail et la vie en groupe doivent les sortir de la drogue . Cédric Kahn nous raconte l’histoire d’une reconstruction, d’une résurrrection.

L’utilisation de la même aria Bist du bei mir, composée par le musicien allemand Gottfried Heinrich Stölzel (1690-1749) dans son opéra Diomède, ou l’innocence triomphante (1718), longtemps attribuée à Jean-Sébastien Bach rythme le film. On l’entend à trois moments très importants: quand Sybille, la fille d’un couple de voisins qui aide la communauté, ramène Thomas vers ce refuge; quand, Thomas, lors d’une excursion en montagne avec le groupe est miraculeusement (?) guéri de sa blessure au genou alors qu’il s’est perdu et a chuté lourdement; quand il change d’avis, s’échappe du chemin qui allait l’emmener au séminaire et décide de retrouver Sybille qui travaille sur un chantier archéologique en Espagne.

Le film est inspiré d’expériences réelles et de communautés existantes comme le Cenacolo. Cédric Kahn s’est servi de nombreux témoignages recueillis par ses co-scénaristes, Fanny Burdino et Samuel Doux. Le réalisateur nous montre un voyage de la mort vers la vie. Ce n’est pas tant la foi qui sauve Thomas que l’amitié des autres pensionnaires et l’amour de Sybille qui va l’aider à chaque étape à prendre les bonnes décisions. Cédric Kahn, qui est agnostique,  laisse le spectateur libre d’interpréter chaque épisode à son gré. La nature joue un grand rôle dans ce film, comme dans le précédent, Vie sauvage (2014). Le rude paysage alpestre avec le froid, la neige, le brouillard, les rochers, la lune s’oppose au lumineux paysage méditerranéen avec le soleil, la lumière, la mer.

Les acteurs sont excellents: particulièrement Anthony Bajon (Ours d’argent du meilleur acteur à la Berlinale 2018), Damien Chapelle, Alex Brendemühl, Louise Grinberg et Hanna Schygulla. J’aime les films de Cédric Kahn car ils sont ancrés dans une réalité sociale et traitent de questions existentielles. Ses personnages ne sont jamais manichéens.

Filmographie de Cédric Kahn:
1991: Bar des rails.
1994: Trop de bonheur (version cinéma du téléfilm réalisé pour Arte intitulé Bonheur dans la série Tous les garçons et les filles de leur âge).
1996: Culpabilité zéro (téléfilm).
1998: L’Ennui.
2001: Roberto Succo.
2004: Feux rouges.
2005: L’Avion.
2009: Les Regrets.
2012: Une vie meilleure.
2014: Vie sauvage.
2018: La Prière.

Bist du bei mir: Camerata Budapest est dirigée par Laszlo Kovacs, et est accompagnée de Ingrid Kertesi (soprano)

Paroles (G.-H. Stöltzel)
Bist du bei mir, geh’ ich mit Freuden
zum Sterben und zu meiner Ruh’.
Ach, wie vergnügt wär’ so mein Ende,
es drückten deine schönen Hände mir die getreuen Augen zu!

Traduction:
Si tu restes avec moi, alors j’irai en joie
Vers ma mort et mon doux repos.
Ah! comme elle serait heureuse, ma fin,
Tes jolies mains fermant mes yeux fidèles!